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Tim Burton sur Quitter Batman : « Je pense que j'ai bouleversé McDonalds. « Nous ne pouvons pas vendre de joyeux repas avec ça ! » »


Le légendaire réalisateur américain Tim Burton révèle pourquoi il n'a pas terminé la trilogie "Batman"

Le légendaire réalisateur américain Tim Burton révèle pourquoi il n'a pas terminé la trilogie "Batman".

Lors d'une récente interview vidéo avec Yahoo Movies, le réalisateur Tim Burton a parlé de sa longue carrière et de quelques-uns de ses projets préférés, dont son film de 1989, Homme chauve-souris. Le film a été un succès critique et au box-office, et a conduit à Le retour de Batman en 1992. Cependant, bien que Burton ait été initialement prévu pour diriger la trilogie complète, il n'a servi que de producteur sur le film final, Batman pour toujours, au cours de laquelle Michael Keaton a quitté le rôle titulaire et a été remplacé par Val Kilmer.

Dans l'interview de cette semaine, Burton révèle pourquoi il a quitté la trilogie malgré le succès des deux films précédents :

«Je pense que j'ai bouleversé McDonalds. [Ils ont demandé] 'Qu'est-ce que c'est que ce truc noir qui sort de la bouche du Pingouin. On ne peut pas vendre des Happy Meals avec ça ! Le retour de Batman, parce que la moitié des gens pensaient qu'il était plus clair que le premier et que la moitié des gens pensaient qu'il était plus sombre. Je pense que le studio a juste pensé que c'était trop bizarre - ils voulaient aller avec quelque chose de plus adapté aux enfants ou à la famille. En d'autres termes, ils ne voulaient pas que j'en fasse un autre.


15 choses que vous ne saviez jamais sur l'échec du troisième film Batman de Tim Burton

Si Tim Burton n'avait pas été remplacé par Joel Schumacher, il aurait peut-être fait son meilleur film Batman. Voyez à quel point le film annulé aurait pu être bon.

Cela fait plus de 25 ans que Le retour de Batman débarqué dans les salles. Bien que Tim Burton ait continué à réaliser certains des films les plus uniques (et souvent bizarres) d'Hollywood, il est difficile d'oublier à quel point il est venu visiter Gotham pour la troisième fois.

Après son introduction sûre du Caped Crusader en Homme chauve-souris, à sa suite complètement folle dans Le retour de Batman, Tim Burton était prêt pour la grandeur lors de son troisième tour. Comme le destin l'aurait voulu, bien sûr, Warner Bros. a décidé que Batman avait besoin d'une nouvelle direction créative. Moins intéressé par l'intégrité artistique et plus fasciné par le potentiel marchand du personnage le plus populaire de DC Comics, Warner Bros. a évité l'approche sombre de Burton pour la vision campy, adaptée aux enfants et prête pour les jouets imaginée par Joel Schumacher.

Bien que le studio ait fait une tuerie avec Batman pour toujours, ils ont également tué la franchise. Laissé dans le sillage des jeux de mots brutalement mauvais et des performances tendues était une nostalgie de la touche magique de Tim Burton. Il avait tous les ingrédients pour un acte final incroyable : Robin Williams dans le rôle du Riddler, Brad Dourif dans celui de l'épouvantail et Michael Keaton au sommet de son art. Nous ne pouvons que deviner la grandeur de ce qui aurait pu être.

Voici 15 choses que vous ne saviez pas sur le troisième film Batman raté de Tim Burton.


Critique: «Big Eyes» de Tim Burton se sent trop peint par numéros

Qu'il laisse sa marque avec la sentimentalité bizarre mais douce de "Edward Scissorhands" et "Beetlejuice", la brillante animation stop-motion nominée aux Oscars de "Frankenweenie" et "Corpse Bride", ou l'impétuosité de ses redémarrages "Batman", Tim Burton a toujours été l'un des visionnaires les plus audacieux du cinéma. Sauf quand il s'agit de femmes.

À moins qu'ils ne soient de la variété effrontée et animée, les personnages féminins de Burton sont généralement moins convaincants que ce à quoi on pourrait s'attendre de la part du réalisateur dont l'imagination non conventionnelle a ravi d'innombrables histoires merveilleusement étranges.

Avec des « shes » en chair et en os au centre de la scène, il hésite. Comme si elles étaient trop fragiles, comme si ses idées farfelues pouvaient être trop imposantes. S'il vous plaît, mademoiselle, excusez mes excentricités si vous voulez.

Le dernier film de Burton, "Big Eyes", semblait être une opportunité idéale pour briser le schéma. Mettant en vedette Amy Adams et Christoph Waltz en tant que mari et femme codépendants si outré qu'il est douteux que même Burton aurait pu les imaginer, cela semblait être une chance d'éviter le terrier de lapin qui a englouti son "Alice au pays des merveilles" réimaginé, follement théâtral sauf pour Alice de Mia Wasikowska, plus polie que pétulante.

Ce film nous emmène dans le monde décalé de Margaret Keane (Adams), l'artiste dont les femmes aux grands yeux sont devenues un phénomène de la culture pop des années 60. Son conjoint dominant, Walter (Waltz), était un artiste d'un tout autre genre, incitant sa femme à lui laisser le mérite de son travail et incitant le monde à le croire. Partout dans le film se trouvent ces yeux de Keane – extrêmement sombres, incroyablement tristes – encadrés sur les murs, apparaissant dans des galeries, émergeant, pendant que nous regardons, sur la toile dans l'atelier de Margaret, derrière des portes closes, afin qu'aucun autre œil ne puisse voir.

Mais ce portrait d'une femme au bord du succès, de la répression, de la soumission, de la rébellion, n'est jamais pleinement réalisé. Malgré toute l'agitation qui l'entoure, Margaret est trop souvent stationnée devant une toile dans une concentration silencieuse. Comme ce fut le cas dans la vraie vie de l'artiste, son mari, le bonimenteur Walter, est autorisé à accaparer les projecteurs. Sa fille est attirée par intermittence pour un effet dramatique.

Peut-être qu'une partie de la pointe des pieds autour de Margaret, qui est toujours en vie et peint dans la vraie vie, est due à l'incapacité de Burton à secouer le sentiment que ces yeux le regardaient. Ou son habitude de devenir enchanté par les personnages auxiliaires – la reine rouge d'Helena Bonham Carter dans "Alice" ou Michelle Pfeiffer dans "Batman Returns" en 1992, griffe et scintille comme Selina Kyle / Catwoman.

Le scénario, écrit par Scott Alexander et Larry Karaszewski, qui ont apporté une énergie et une affection si excentriques au biopic du réalisateur sur ce tristement célèbre réalisateur de film de série B, "Ed Wood", est autant une esquisse d'un mariage de classe moyenne des années 1950 que l'un des un artiste.

"Big Eyes" commence avec l'évasion de Margaret de son premier mariage - les larmes aux yeux, agrippant sa fille d'une main, le volant de la voiture de l'autre. Bientôt, elle commence une nouvelle vie dans la Bay Area, tombant dans les bras de Walter et sous son charme. Bien qu'il prétende être aussi un artiste - les scènes de rue parisiennes sa spécialité - il est plus escroc que peintre. Pourtant, aussi sournois que soit Walter, le film vous laisse vous demander si le succès de l'œuvre aurait été aussi massif sans lui.

Le point de vue de Margaret sur la place d'une femme vient d'un âge différent, juste avant que la marée féministe montante des années 1960 ne balaie la nation. Le conflit est lié à son ressentiment croissant d'avoir été licenciée - en tant que femme et en tant qu'artiste. Dominé par les hommes, poussé par son art, alors qu'elle et Walter se disputent les peintures, vous entendez les échos d'autres maris et femmes se disputer sur l'idée d'égalité.

La poussée et la traction entre eux – Walter de plus en plus contrôlant, Margaret assez craintive pour envisager de fuir – rend l'histoire sombre, tandis que la maison dans laquelle ils vivent est baignée de lumière par le soleil. Toujours aussi directeur visuel, Burton joue avec les textures et les tons contrastés de manière intéressante.

Dans l'une des scènes les plus burtoniennes du film, le couple se retrouve au tribunal avec Walter jouant le rôle d'un dandy se défendant, faisant des allers-retours entre la table de la défense et la barre des témoins. Le juge leur ordonne finalement tous les deux de peindre pour le jury. Ce qui se déroule est une comédie dans la compétition, le réalisateur capturant exactement la scène surréaliste.

Mais la plupart du temps, "Big Eyes" se déroule comme autant de biographies de films, un peu trop littérales et linéaires - puis ça arrive, puis ça.

Le film est livré avec tout le vernis du cinéaste, l'époque magnifiquement habillée, conçue et tournée par une équipe de première classe dirigée par le directeur de la photographie Bruno Delbonnel, le chef décorateur Rich Heinrichs et une Colleen Atwood inspirée, comme Heinrichs, un collaborateur fréquent sur les projets Burton .

Adams est émouvant en jouant la soumission, les yeux incertains, les lèvres tremblantes. Mais d'une manière ou d'une autre, il se sent toujours trop en sécurité, sans les mêmes risques émotionnels qui caractérisent son travail, un large éventail comprenant le moll sexy et intelligent de l'année dernière dans "American Hustle" et la manipulation de ce poêle chaud dans "Julie & Julia" avec Meryl Streep.

En revanche, Waltz pousse Walter à l'extrême, assez irritant dans son droit exigeant, le sourire collé. La sensibilité sournoise que l'acteur a apportée à d'autres personnages fleuris – un colonel nazi dans « Inglourious Basterds », un chasseur de primes effronté dans « Django Unchained » – est mise de côté.

Adams et Waltz ont tous deux reçu des nominations aux Golden Globes pour leurs efforts, mais ont été contournés par la Screen Actors Guild.

L'Amérique suburbaine de la fin des années 50 et du début des années 60 est une période que Burton aime fouiner. En taquinant toutes les nuances de la situation de Margaret, le réalisateur canalise mieux le conformisme que l'ambition et le besoin qui l'animent.

En ce sens, "Big Eyes" est l'œuvre la plus terre-à-terre de Burton, aussi conventionnelle que l'époque. Pas aussi peu orthodoxe que son sujet ou que le réalisateur lui-même.

Classement MPAA : PG-13 pour les éléments thématiques et bref langage fort


TIM BURTON SUR 'BATMAN', 'EDWARD SCISORHANDS' ET LES TEEN FANS DE 'THE NIGHTMARE BEFORE CHRISTMAS'

Le 25 décembre, Tim Burton sortira Gros yeux, une comédie dramatique d'époque sur l'histoire étrange et vraie de Walter et Margaret Keane, le couple à l'origine de ces célèbres peintures kitsch de petits enfants aux yeux de biche qui ont fait sensation dans les années 1960.

Le film – qui met en vedette Amy Adams et Christoph Waltz – marquera le 17e long métrage que Burton a réalisé dans une carrière riche en histoire qui s'étend maintenant sur 30 ans.

Burton a toujours été un cinéaste inhabituel, un visionnaire semi-excentrique qui réalise des films sur des étrangers au sein du système des studios hollywoodiens.

Il a parlé avec Yahoo Films sur sa carrière et certains de ses films les plus célèbres, dont La grande aventure de Pee-wee, Beetlejuice, Batman, Edward aux mains d'argent et Le cauchemar avant Noël'''.

Découvrez les faits saillants dans la vidéo ci-dessus et quelques autres réflexions de Burton ci-dessous :

Pourquoi Michael Keaton semblait assez fou pour Batman de 1989 :
"Il a reçu beaucoup de critiques pour être trop sombre, et il y a eu beaucoup de critiques pour le casting de Michael Keaton. Ils pensaient que ça allait être une comédie ou autre chose, mais c'était très spécial. Nous avons rencontré ces gros durs, mais ce qui s'est passé, c'est que vous regardez quelqu'un comme Michael et vous vous dites : « Voici un type que vous pouvez voir s'habiller comme une chauve-souris. » Il a les yeux et le genre de qualité folle et le genre de vie intérieure, mais ce n'est pas Arnold Schwarzenegger.

Donc, voici quelqu'un qui avait besoin de créer un personnage pour effrayer et intimider les gens, et Michael semblait être la personne parfaite pour être cela. Le studio m'a beaucoup soutenu. Dieu merci, Internet n'était pas aussi gros à l'époque, car nous aurions été vraiment assassinés. Mais même sans Internet, il y avait beaucoup de négativité et d'alarme. »

En s'éloignant de Gotham City après la suite de 1992, Le retour de Batman:

"Je pense que j'ai bouleversé McDonalds. [Ils ont demandé] 'Qu'est-ce que c'est que ce truc noir qui sort de la bouche du Pingouin. On ne peut pas vendre des Happy Meals avec ça ! Le retour de Batman, parce que la moitié des gens pensaient qu'il était plus clair que le premier et que la moitié des gens pensaient qu'il était plus sombre. Je pense que le studio a juste pensé que c'était trop bizarre - ils voulaient aller avec quelque chose de plus adapté aux enfants ou à la famille. En d'autres termes, ils ne voulaient pas que j'en fasse un autre.

Sur la difficulté de faire Edward Scissorhands même après être devenu un réalisateur de premier plan :

Après jus de scarabée et Pee Wee et Homme chauve-souris [ont] réussi, je pensais que je pouvais faire ce que je voulais. C'est à ce moment-là que j'ai appris que chaque film est difficile à faire. Même après Homme chauve-souris, présentant l'histoire d'un gars avec des mains en ciseaux - ils n'étaient pas les plus enthousiastes.

Mais c'était un film spécial pour moi parce que c'était des sentiments, pas autobiographiques, mais le sentiment de ressentir cela à l'adolescence. C'était très représentatif et symbolique de beaucoup de sentiments que j'avais.

Sur la production "bizarre" de l'animation stop-motion Le cauchemar avant Noël, que Disney a publié sous sa bannière Touchstone plus destinée aux adultes à un box-office éventuel de 75 millions de dollars :

"C'était bizarre parce qu'à l'époque, c'était quelque chose que je n'avais jamais entendu de ma vie : ils n'allaient pas mettre de bande-annonce pour ça. Même les films horribles pour lesquels vous avez des bandes-annonces. C'était une chose bizarre. En gros, ils [l'ont fait] parce que je l'avais conçu [chez Disney] il y a de nombreuses années, et j'ai dit : « Vous ne voulez pas vraiment faire ça, laissez-moi l'emmener ailleurs. » Et plutôt que de le laisser aller ailleurs, ils ont laissé faire. Cela n'a pas coûté cher. Mais pendant que nous avancions, ils ne savaient pas ce que c'était. C'était un film étrange qui a eu de plus en plus de succès de plus en plus tard.

Et comment Le cauchemar avant Noël est devenu le film officieux des adolescents emo :

" J'ai vu des gens qui ont des tatouages ​​incroyables. C'est pour moi la chose la plus étonnante, meilleure que n'importe quelle critique, meilleure que n'importe quel box-office, meilleure que tout, quand elle se connecte si profondément avec les gens."

S'il est allé à Hot Topic, où Cauchemar avant Noël l'équipement est toujours à la mode.

S'il allait revenir en arrière et changer les choses dans ses films :

"Non, je sais que certaines personnes mettent à jour les effets spéciaux dans les films ou autre, mais je pense toujours que c'est un peu une capsule temporelle. C'est comme la chirurgie plastique - je préfère voir les rides et les verrues des gens, plutôt que de voir quelque chose qui a été passé sous silence."

Sur son non produit Superman film qui devait jouer Nicolas Cage :

"Nous allions sur la même voie en termes d'exploration [le Superman histoire] à un niveau plus humain et à un niveau plus émotionnel. Et c'est assez dévastateur lorsque vous travaillez sur un projet pendant une si longue période, et cela n'arrive pas. »

Sur les effets spéciaux générés par ordinateur par rapport aux effets spéciaux pratiques :

"J'essaie de l'utiliser comme un outil pour réaliser tout ce que vous devez accomplir. En tant qu'animateur, par exemple, sur Alice au pays des merveilles, à l'époque, je n'étais pas un grand fan de la capture de mouvement, alors nous avons opté pour une grande partie de l'animation pure, simplement parce que je pensais que le timing était meilleur. Vous utilisez n'importe quel support pour quel que soit le projet et essayez de le traiter comme un personnage. Si c'est un effet pratique, c'est toujours amusant à faire car cela connecte les acteurs et l'équipe à ce que vous faites au lieu d'être dans ce vide avec un écran vert.

Sur sa personnalité publique :
"Je ne suis pas une personne sombre. Mes films sont assez légers, je trouve. Surtout la façon dont ils sont maintenant, le mien ressemble à un jeu léger. "


Au revoir Batman : Ben Affleck devrait-il tirer sa révérence en tant que croisé capé ?

S'il existe une « malédiction Batman » affectant ceux qui ont enfilé la cape et le capuchon sur grand écran, elle n'est pas toujours durable. George Clooney s'est remis d'avoir interprété une version détestée du chevalier noir de Gotham pour Joel Schumacher dans Batman & amp Robin de 1997 pour devenir l'un des acteurs et cinéastes les plus célèbres d'Hollywood. Christian Bale est rarement absent des projecteurs de la saison des récompenses pendant longtemps, et Michael Keaton connaît actuellement un renouveau de carrière dorée qui l'a même vu revenir aux films de super-héros.

Il serait juste de dire, cependant, que le rôle peut être quelque chose d'un calice empoisonné. Clooney a peut-être eu la chance de se remettre des critiques infligées au film de Schumacher (sa co-vedette Chris O'Donnell ne l'a jamais vraiment fait) et la carrière de Val Kilmer a certainement explosé après avoir pris le rôle principal dans Batman Forever en 1995. Les deux acteurs ont eu la malchance d'avoir été choisis comme Batman tandis que Warner Bros a encouragé Schumacher à céder à son penchant pour le kitsch et le camp en réaction à la vision gothique de Tim Burton sur le croisé capé dans Batman de 1989 et la suite de 1992 Batman Returns.

L'actuel chevalier noir Ben Affleck doit également attirer la sympathie, ayant signé sur la ligne pointillée à un moment où Warner semble confus quant à la façon de représenter Batman sur grand écran. Une minute, il est le chef de file en colère de Batman v Superman: Dawn of Justice, la suivante, il fait preuve d'intelligence et montre des remords pour ses erreurs antérieures dans l'actuelle Justice League.

Regardez la bande-annonce de Justice League - vidéo

Personne ne sait vraiment quel Batman apparaîtra dans la prochaine sortie solo de Matt Reeves pour le croisé capé, The Batman, mais il semble de plus en plus probable qu'il puisse être interprété par quelqu'un d'autre qu'Affleck. Interviewé par USA Today à l'approche de la sortie de Justice League, l'acteur oscarisé a refusé de confirmer son engagement envers le projet qu'il devait diriger, affirmant simplement que cela restait "quelque chose que j'envisage". Peut-être plus inquiétant pour Warner, Affleck a laissé entendre que le film pourrait représenter une fin de partie pour son bref séjour dans la cape et le capuchon, ajoutant: «Vous ne le faites pas pour toujours, alors je veux trouver un moyen gracieux et cool de sortir de [le rôle]."

Apparaître en tant que Batman dans trois films en deux ans (Dawn of Justice, ce caméo de Suicide Squad et Justice League) aurait déjà été considéré comme beaucoup. Mais nous vivons à une époque où Robert Downey Jr a dépeint Iron Man huit fois au cours des neuf dernières années (y compris les camées) et a au moins deux autres apparitions à faire dans le prochain Avengers: Infinity War et sa suite 2019. De plus, si Affleck quitte maintenant, son passage en tant que croisé capé sera considéré comme un échec lamentable, voué à rester dans les mémoires aux côtés du seul Batnippled de Clooney dans les listes des «pires Batman» d'ici la fin des temps.

Avec les films DCEU de Warner performants au box-office, il semblait toujours probable que les dirigeants de studio persévéreraient avec Affleck jusqu'à ce qu'ils tombent sur une formule conçue pour tirer le meilleur parti de lui. Dawn of Justice et Suicide Squad, malgré toutes les critiques, ont assez bien réussi financièrement pour laisser à ce dernier univers cinématographique de super-héros la chance de se battre un autre jour. Mais Justice League, malgré des critiques légèrement plus positives que ses prédécesseurs, semble maintenant être l'épisode le moins performant à ce jour.

Il y a des rumeurs selon lesquelles Jake Gyllenhaal, qui a déjà été considéré par Warner pour le film qui est finalement devenu Batman Begins de Christopher Nolan, est en train de remplacer Affleck. Cela ne résout pas tout à fait le problème de la façon dont la prise de vue prétendument noire de Reeves sur le croisé capé est censée se synchroniser avec l'épopée grandiloquente de CGI et de wisecracking inter-super-héros de style Marvel. Mais cette décision donnerait au réalisateur de War for the Planet of the Apes la chance de lancer une nouvelle ère Batman avec un nouveau visage.

Une partie du problème avec l'ensemble du fandango Batfleck est qu'il est difficile d'imaginer ce nouveau Batman distinct du célèbre acteur qui le joue. Lorsque Bruce Wayne fait des commentaires sexistes envers Wonder Woman de Gal Gadot dans Dawn of Justice, nous nous souvenons de l'affichage jockish d'Affleck il y a plus d'une décennie lors de la publicité pour le film Jersey Girl. Lorsque Batman passe le plus clair de son temps à s'excuser pour son rôle dans la mort de Superman dans Justice League, on a l'impression qu'il s'excuse pour l'échec de Dawn of Justice à réussir. Le public veut voir Affleck pleinement investi dans le rôle et faire sortir sa performance du parc en nous rappelant pourquoi nous aimons le croisé capé en premier lieu. Au lieu de cela, nous obtenons un acteur qui semble préférer être à peu près n'importe où ailleurs.

Gyllenhaal ferait-il mieux ? Certes, il s'agit d'un acteur qui a prouvé à maintes reprises qu'il peut disparaître dans des rôles, et il semble mieux adapté à la nouvelle trilogie évoquée de Reeves, avec l'accent mis sur les célèbres compétences de détective de Batman (par opposition au pistolet colossalement encadré -toting, ultra-violent Batfleck of Dawn of Justice).

Le titulaire actuel pourrait ne pas réaliser son souhait de quitter le DCEU à un niveau élevé. Mais à en juger par sa performance insuffisamment cuite dans Justice League, Affleck ne se plaindrait probablement pas trop d'un départ forcé. Il pourrait bien être dans l'intérêt de tout le monde de laisser ce chevalier noir intimidateur et intimidateur faire enfin quelque chose en accord avec le penchant traditionnel du super-héros pour la sous-estimation sombre, et se glisser doucement dans la nuit de Gotham, pour ne plus jamais être revu.


Ces récents moments de super-héros sont si sexistes que vous ne croirez pas qu'ils ont été créés au cours des 5 dernières années

Moins littéralement tout ce que Donald Trump a jamais dit, les dernières années ont sans doute été formidables pour le féminisme. Et la culture pop, du moins pour la plupart, a répondu en nous apportant une nouvelle classe de rôles féminins intéressants et diversifiés. Mais le sexisme n'est pas le mur de Berlin. Vous ne pouvez pas l'abattre avec des masses et l'appeler un jour. Le sexisme peut être sournois. Cela peut être subtil. Il peut se glisser dans les films les plus impressionnants et les plus bien intentionnés. Le genre des super-héros en particulier fait de grands progrès&mdashuh, bonjour, Wonder Woman !&mdashmais nous avons encore du chemin à parcourir. Voici six exemples d'Hollywood qui se trompent complètement.

La référence de la période dans 'Batman: The Killing Joke'

La scène: Pour ceux qui ne sont pas au courant, La blague meurtrière est l'un des séminal Homme chauve-souris histoires, dans lesquelles le Joker kidnappe le commissaire Gordon et paralyse sa fille Barbara&mdashAKA Batgirl. Lorsque le film d'animation est sorti en salles en juillet 2016, un prologue de trente minutes a été ajouté à l'histoire. Le prologue suit Batgirl lors d'une nuit moyenne de lutte contre le crime, et & mdashas l'un des criminels qu'elle poursuit fait des commentaires de plus en plus sexistes & mdash culmine dans une plaisanterie sur la façon dont cela doit être "cette période du mois". Batgirl bat alors ledit criminel jusqu'à la mort imminente.

Pourquoi c'est sexiste : Il n'y a rien de mal à essayer de donner un peu plus d'agence au seul personnage féminin de votre histoire, mais il est clair que les cinéastes s'en moquent. réel défis que Batgirl a en tant que combattante du crime. Ils essaient simplement mal de flatter les femmes dans le public en montrant un personnage féminin "fort" frappant des hommes. C'est une définition très ancienne et très stupide du "girl power" qui était tout aussi dégoûtante il y a vingt ans qu'elle l'est aujourd'hui.

Le cadrage de Catwoman dans 'The Dark Knight Rises'

La scène: Dans le méchant génial de Christopher Nolan Chevalier noir Trilogie, Catwoman est une femme moulante et sexy vivant dans la quasi-pauvreté avec une autre femme. Elle fait équipe avec Bane pour vaincre Batman, avant de se rendre compte que&mdashgasp!&mdashBatman est ce milliardaire insupportable mais attrayant qu'elle a volé, Bruce Wayne !

Pourquoi c'est sexiste : Certes, il y a quelques choses que les frères Nolan ont bien compris en écrivant Catwoman. Dans une scène, elle fait semblant d'être hystérique pour échapper à la police parce qu'elle sait que les flics ignoreront une femme émotive. Elle est consciente du sexisme qui l'entoure et l'utilise à son avantage&mdashand j'aime ça. Mais à la fin de la journée, c'est encore un autre personnage féminin qui se bat avec des talons aiguilles ridicules, ne contribuant presque rien à l'intrigue et filmé sous des angles qui se concentrent inutilement sur ses fesses vêtues de cuir. Si vous voulez voir un film qui équilibre la complexité et le sex-appeal de Catwoman, allez voir celui de Tim Burton Le retour de Batman.

Hulk sauve la veuve noire dans "Avengers: Age of Ultron"

La scène: Beaucoup de gens contestent la scène dans laquelle Black Widow raconte à Hulk sa stérilisation forcée. Mais maladroit, c'était bien intentionné et exprimait la complexité des émotions de Black Widow à ce moment-là. La scène qui vraiment ébouriffé mes plumes arrive plus tard dans le film, lorsque Black Widow est kidnappée de nulle part et découvre rapidement un moyen d'appeler à l'aide afin qu'elle puisse être sauvée par son intérêt amoureux, The Hulk.

Pourquoi c'est sexiste : Ce cul-de-sac dans l'intrigue n'a aucun intérêt et supprimez-le et rien dans l'histoire ne change. La seule raison pour laquelle c'est là, c'est parce que Black Widow est la seule femme de l'équipe, et nous avons l'habitude de voir des femmes sauvées par des hommes. Ajoutez à cela l'histoire d'amour inutile (plus le fait que son personnage ne fait rien pour faire avancer l'intrigue), et nous nous retrouvons avec un personnage complètement différent de la Black Widow qui a tellement donné des coups de pied dans Les Vengeurs se rassemblent.

Starlord sauvant Gamora dans "Les Gardiens de la Galaxie"

La scène: Gamora est la fille préférée de Thanos et l'un des êtres les plus intimidants de l'univers Marvel. On dit qu'elle est une machine à tuer, et nous voyons même certaines de ses compétences utilisées lors du combat contre Starlord. Mais ensuite, le gang est arrêté et envoyé en prison, et au milieu de la nuit, Starlord remarque que des voyous ont capturé Gamora. Il lui sauve la vie, et leur plaisanterie spirituelle/alchimie sexuelle commence pour de bon.

Pourquoi c'est sexiste : Permettez-moi de le répéter : Gamora est censé être l'une des personnes les plus dangereuses de la galaxie. Pourquoi, alors, est-elle soudainement incapable de se défendre contre des voyous de l'espace au hasard ? Parce qu'elle est la seule femme de l'équipe, et donc selon la logique hollywoodienne, elle doit être en couple avec le personnage principal, et donc être plus faible que lui. La meilleure façon de la faire tomber amoureuse de Starlord et établir sa force? Qu'il la sauve, même si cela n'a aucun sens. Dans cette scène, Gamora passe de se tenir debout dans l'équipe (et de contribuer à l'intrigue) à devenir «la nana» du groupe pour le reste du film.

La romance Harley Quinn/Joker dans 'Suicide Squad'

La scène: Une partie importante de ce film est consacrée à l'histoire de Harley et à la façon dont elle a été manipulée et séduite par son patient psychiatrique The Joker. Depuis, elle est sa femme de main adorée et obéissante.

Pourquoi c'est sexiste : La relation Joker-Harley a toujours été tordue et abusive, et c'est pourquoi elle est si déchirante et fascinante. Dans les bandes dessinées, Harley a montré beaucoup de doutes sur sa relation et son départ et son retour encore et encore. C'est un regard réaliste mais troublant sur les raisons pour lesquelles les femmes restent avec des partenaires horribles. Cependant, dans le film, Harley n'a aucun doute et elle aime le Joker, peu importe Quel il fait. Et c'est juste dégueulasse.

Mystique devient une extrémiste parce qu'un garçon pense qu'elle est moche dans 'X-Men: First Class'

La scène: Mystique est aux prises avec des problèmes d'image corporelle depuis son enfance (qui peut lui en vouloir, elle est bleue !), mais son sentiment d'aliénation atteint son paroxysme lorsqu'un garçon qu'elle aime (AKA Beast) lui dit que tous les mutants d'apparence inhabituelle sont laids. Elle tombe alors dans les bras de Magneto, qui aime la façon dont elle a l'air. Avec cette affirmation positive, Mystique est soudainement plus sympathique aux opinions politiques de Magneto et rejoint son groupe extrémiste.

Pourquoi c'est sexiste : Tu plaisante, n'Est-ce pas.

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FILM Look, Ma, No Hands ou le dernier exploit de Tim Burton

« C'est le film le plus inconfortable que j'aie jamais vu dans un film », a déclaré l'acteur Johnny Depp entre les bouffées d'une cigarette offerte par un assistant sur un clip de cafard de fortune. M. Depp était vêtu de cuir noir moulant de la pomme d'Adam aux orteils. Ses cheveux étaient une masse d'enchevêtrements noirs, et son visage était maquillé comme un mime, sauf qu'il était couvert de cicatrices prothétiques. Le plus surprenant de tous était les jeux de lames d'apparence mortelle où ses mains auraient dû être.

M. Depp était le personnage principal du nouveau film de Tim Burton, Edward Scissorhands, qui a été tourné cet été et dont la sortie est prévue à la fin de l'automne. « Je suis attaché et attaché dedans », a-t-il dit à propos de ses vêtements et du gréement sur ses mains. ''J’ai l’impression d’être dans une vieille malle de marin, pas moyen d’en sortir.''

L'année dernière à la même époque, un autre film réalisé par M. Burton, '➺tman,'' était en passe de devenir le film le plus réussi de l'histoire d'Hollywood. Le réalisateur de 31 ans s'est vu remettre les clés du royaume.

« J'ai eu la chance de faire ce que je veux faire complètement », a-t-il déclaré. '⟭ward Scissorhands'''' est une petite fable idiosyncratique qui, espère-t-il, mettra à jour ce que les contes de fées étaient censés faire.'' il a également ressenti une certaine pression - non pas pour faire un autre blockbuster, a-t-il dit, mais pour faire un film digne des souvenirs, des rêves et des sentiments qui l'ont accompagné.

« La chose qui me rend nerveux, c'est qu'il y a plus de sens à cela que tout ce que j'ai jamais fait auparavant », a déclaré M. Burton. Je n'ai jamais eu l'occasion d'exprimer complètement ce que je ressens auparavant. C'est une image à laquelle je m'identifie.''

L'histoire de '⟭ward Scissorhands,'' bien que pas plus étrange que celles des longs métrages précédents de M. Burton - '''Pee-Wee's Big Adventure,'' '& #x27Beetlejuice'' et '➺tman'' - est vraiment étrange. Edward (M. Depp) a été créé par l'inventeur (joué par Vincent Price, qui se trouve être la muse de M. Burton), qui vit dans un mystérieux manoir sur une colline surplombant une banlieue pastel générique. L'inventeur a toujours eu l'intention de remplacer les lames d'Edward par de vraies mains, mais meurt avant que cela n'arrive, Edward doit donc faire face à ses dangereuses mitaines. Il vit seul dans le manoir jusqu'à ce qu'un jour la Dame Avon (Dianne Wiest) décide de faire un appel sur le vieil endroit étrange.

Là, elle découvre Edward, qu'elle persuade de revenir avec elle en ville. Au début, le quartier embrasse Edward, mais quand il tombe amoureux de la belle fille d'Avon Lady (Winona Ryder), la nouveauté commence à s'estomper. Après qu'Edward ait été amené à encourager un crime, il est obligé de fuir la ville.

« J'ai grandi en aimant l'idée des contes de fées, mais je n'ai jamais vraiment pu m'identifier à eux, vous savez », a expliqué M. Burton. 'ɾt puis j'ai commencé à penser, si vous étiez là à l'époque où le 'Petit Chaperon Rouge' a été écrit, cela aurait probablement tout son sens. Avec un peu de chance, avec 'Scissorhands,' ils obtiendront le même genre de magie et de sensations, mais ils s'y sentiront aussi un peu mieux.''

M. Burton s'est entouré de collaborateurs qui ont partagé sa vision décalée, des acteurs au producteur en passant par le scénariste et le chef décorateur. ''Le script était drôle,'' a déclaré M. Burton. Parmi les gens qui l'ont lu, soit ils ne l'ont pas compris, soit ils l'ont adoré. Et j'ai eu beaucoup de chance d'avoir des gens qui ont adoré. Il y avait de l'harmonie sur le plateau. Mme Ryder a décrit le groupe comme étant des « personnes qui sont exactement sur la même longueur d'onde, pensant exactement les mêmes pensées. »

Les acteurs et l'équipe ont passé 12 semaines à filmer en Floride, où ils ont trouvé, selon les mots du chef décorateur Bo Welch, "une sorte de banlieue générique et simple, que nous avons rendue encore plus sans caractère en peignant toutes les maisons dans faded pastels, and reducing the window sizes to make it look a little more paranoid.'' The production then relocated to a set in Los Angeles, where Mr. Welch and his crew created shadowy medieval-looking interiors for the mansion scenes .

On one day it was 110 degrees, but Mr. Burton was wearing a rumpled jacket over his black pants and long-sleeved shirt. He was about to film the scene in which Ms. Wiest comes upon Edward in his lair.

''Johnny, give me a little blade action,'' Mr. Burton instructed, and Mr. Depp twisted his wrists so that light glittered from his ''hands.'' He was crouched in a corner of the attic, where Ms. Wiest, in a lavender suit and pillbox hat, discovered him. At first she was frightened, but then her maternal instincts took over, especially when she saw the scars Edward has inadvertently inflicted on himself.

''They sent me a script a year ago, and I thought it was very strange and wonderful,'' Ms. Wiest said. ''I hadn't seen any of Tim's movies, but I went out and saw ➺tman' immediately. I was as taken with the man as I was with his work.''

Later that day, Mr. Depp, the 24-year-old star of the now-canceled TV series '✡ Jump Street'' and the John Waters film 'ɼrybaby,'' exchanged one pair of scissor hands for another in preparation for the next scene. ''The script was one of the two or three best things I've ever read,'' he said. He walked over to where Mr. Burton stood with Vincent Price on a set filled with giant gears and pulleys and a biomorphic assembly line that's reminiscent of Chaplin's ''Modern Times.''

Though it looked more like a widget factory, it was the kitchen of the mansion. The scene they were about to film was one in which the Inventor starts to present Edward with real hands to replace his blades, but dies before he actually attaches them, thus sealing Scissorhands's fate: to never be able to touch people without the possibility of hurting them.

Mr. Burton called '➬tion,'' and the scene went smoothly until the end, when Edward had to gently draw a blade across his dead creator's cheek, leaving a faint trail of blood. The director found it difficult to capture this effect on camera, and the actors went through a great many takes.

Mr. Price's role in the movie, though little more than a cameo, was something of a talisman for Mr. Burton. ''It's hard for me to describe it, but it really helped me growing up just by watching him,'' he said. ''It was more than just a fan thing it's very deep for me.''

In fact, aspects of ''Scissorhands'' can be found in Mr. Burton's earliest film, ''Vincent,'' a five-minute animated work narrated by Mr. Price, about a little boy (unmistakably modeled after Mr. Burton) who has a fantasy life that Poe would envy.

Caroline Thompson, the ''Scissorhands'' screenwriter, said that when she saw the Price short, she knew that she and Mr. Burton '⟊red about the same things and had the same feelings.'' So in tune were they, in fact, that Ms. Thompson wrote '⟭ward Scissorhands'' in three weeks after Mr. Burton showed her a drawing he had done of the character. ''The image just struck me so hard. Tim showed me the drawing and said, 'There's this character that I think about called Edward Scissorhands.' That's all he said. The minute he told me that, we started to talk about it, and the entire story was clear to me.''


FILM ➺tman' Battles for Big Money

Holy oblivious to the mist falling about his gentian fedora, Jack Nicholson presses an orange bullhorn to his mouth - a permanent leer of red in a whiteface mask - and begins his ascent to the helicopter.

''Roll camera!'' rumbles up from the crew huddled in the rain, breathing steam into the damp English night. 'ɺnd . . . action!''

There is the sudden flaring of klieg lights, the deafening whirr of propeller blades and Mr. Nicholson hitting his mark - dangling from the copter and bellowing his lines with all the wild-eyed mania of Daryl Van Horne in ''The Witches of Eastwick'' or the mad ravings of Jack Torrance in ''The Shining.''

Luridly etched in purple and white against the velvet night, Mr. Nicholson is none other than The Joker - that comic book clown prince of crime and the keystone of the upcoming film '➺tman.'' More than a decade in the works, now slated for release this June to coincide with the 50th anniversary of DC's best-selling comic book hero, '➺tman'' the movie has been until recently shrouded in secrecy, ballyhooed in superlatives and plagued by controversy.

At $30 million-plus and top-heavy with stars, the decidedly new-wave '➺tman'' is the biggest Warner Brothers film of 1989. A departure from the campy 1960's television series, the film is a blockbuster gamble along the lines of last year's ''Who Framed Roger Rabbit'' and a much-needed prospective hit in a summer crowded with competitors. '➺tman,'' which, in addition to Mr. Nicholson, features Michael Keaton, Kim Basinger, Billy Dee Williams, Jack Palance and Jerry Hall, will go head to head with ''Ghostbusters II,'' ''Lethal Weapon II,'' ''Star Trek V'' and a second trip '𧮬k to the Future.''

Yet even before shooting began at London's Pinewood Studios last fall, '➺tman'' generated more anger than anticipation among the comic book hero's fans - the hard-core audience for any film such as this. In a massive letter-writing campaign, objections were raised over the studio's emphasis on this high-concept Batman and the refusal to make a serious square-jawed film out of one of the most popular - and psychologically complex - comic book characters.

The controversy, which erupted in the front pages of The Wall Street Journal and numerous trade publications, focused on the casting of Mr. Keaton, best known as the anarchic prankster in last year's comedy hit '𧯮tlejuice,'' as the vengeful vigilante, and the choice of Tim Burton, the '𧯮tlejuice'' creator and former Disney animator, as the film's director. The suspicion voiced by hundreds of angry fans was that '➺tman'' would be a campy send-up similar to the self-parodying but hugely popular 1960's television series.

''Most people think of the TV show when they think of Batman,'' says Maggie Thompson, co-editor of ''The Comic Buyer's Guide,'' the industry bible. 'ɻut that was a series Batman fans saw as ridiculing the art form. The discrepancy between the fan's idea and the average guy's image of Batman is a real problem for Warners. This is like the 'Star Trek' movies. You have to win the fans to insure the film's success.''

Messing with the myth of Batman (in the blockbuster film and in the hundreds of forthcoming licensed materials) has become a delicate and high-stakes public relations act that has had Warners executives running to appease fans at home (including the hiring of Batman's creator, the cartoonist Bob Kane, as the film's consultant) while babysitting the 16-week shoot in London. The Warners executives Terry Semel and Mark Canton and the producer Jon Peters spent weeks pacing the Gotham City set sidelines. (So intense was the interest among the local Fleet Street press that The Daily Mail flew a helicopter reconnaisance mission over the five-block-long set, the biggest since 'ɼleopatra,'' while the competing Sun sneaked in a reporter for an unauthorized ''Holy Scoop, Batman!'' photo spread.) 'ɺ picture this size needs a lot of help,'' says Mr. Peters, during one of the film's final weeks of shooting. ''I'm at risk with Michael [ Keaton ] and Tim [ Burton ] . The image of Batman is a big male model type, but I wanted a guy who's a real person who happens to put on this weird armor. A guy who's funny and scary. Keaton's both. He's got that explosive, insane side.'' Mr. Peters is sitting in the smoke- - or, rather, incense-filled - Studio C on Pinewood's back lot, the site of the film's pivotal cathedral scene. It is the second-to-last day of shooting for Mr. Nicholson, a final sequence in which The Joker is whisked from the cathedral's Gaudi-esque aerie via that helicopter, leaving Batman and Vicki Vale (Ms. Basinger), the film's love interest, to dangle on the proverbial precipice (there is no Robin in the film). While Mr. Keaton, Ms. Basinger and Mr. Nicholson are coached through their acrobatics by Mr. Burton and a clutch of stuntmen, Mr. Peters and crew stand on the sidelines wearing surgical masks as protection against the cough-inducing smoke. The set, hazy and full of long shadows, is evocative of a church vestry, albeit one punctuated by laughter whenever Mr. Nicholson recites his line - a snarled ''What are you laughing at?'' - at one of the cathedral's dour-faced gargoyles.

''I never liked the Batman TV series,'' says Mr. Peters, sliding the mask from his mouth while keeping his eyes on Mr. Nicholson. ''I wanted to do a real aggressive picture, and it wasn't until we got Sam Hamm's script that we found the rough, dark edge we wanted. There's lots of peril in this film and humor, but it's not 'Raiders of the Lost Ark' or 'Ghostbusters.' ''

What exactly '➺tman'' will be is, ah, somewhat shrouded in mystery. The cast has been under wraps for almost the entire shoot, and Mr. Nicholson, who prefers feinting layup shots to speaking to anyone not directly connected with the film, has even refused to participate in the studio-sanctioned documentary ''The Making of Batman.'' Mr. Keaton and Ms. Basinger are only slightly less reluctant.

''I'm just along for the ride on this one,' says Ms. Basinger, shaking the smoke from her blond mane and settling on a dolly during a break. When pressed, she concedes, '➺tman is a legend, not just a cartoon. And the film is emphasizing that wonderful psychological story of three people who, I guess, live in all of us. It's a real visual movie, but Tim Burton has been real good at getting us to decide together where to go in scenes. We've all gotten to do a lot with our roles.''

Mr. Keaton, an affable and unassuming performer who hides behind the sports section during filming breaks, turns terse when asked about '➺tman'' and the controversy over his being cast in the title role. ''You know, Jack's role of The Joker is much more similar to what I did in 𧯮tlejuice,' '' he says, finally. ''That role was so over the top that I just whaled on it. This is different. I keep referring to the film as a painting - Tim calls it a puzzle. I'm just sort of throwing up my hands, saying, 'Paint me in, Big Guy.' ''

Indeed, if there is any common denominator to the cast and crew's perception of the film, it is a disavowal of the original Adam West 'ɺs millionaire Bruce Wayne'' television series and the short-lived 1966 film version, which also starred Cesar Romero as The Joker. It runs like a refrain through Mr. Peters's recounting the film's typically Hollywood history, a narrative that spans a decade and includes at least three earlier scripts, as many potential directors, a hiatus due to the writers' strike, a mention of Bill Murray (''Yeah, yeah, it would have a real different picture but still not like the TV show'') until the final troika - Burton-Keaton-Nicholson - was ensconced.

''I went to the mat for Tim and Michael, but it took a while to get Jack Nicholson,'' says Mr. Peters, who also produced ''The Witches of Eastwick.'' ''We had him over here, walked him around the sets, explained the makeup [ three prosthetic devices and a two-hour application procedure ] . But from the start he was attracted to The Joker. It's a tough role in a really good story.''

For Mr. Burton, whom Mr. Peters describes as 'ɺ brilliant, eclectic visual talent,'' the nub of that story is found, again, not in the POW! BAM! television series, but in the richly nuanced original 1940's Bob Kane strip and in such recent D.C narratives as last year's ''Killing Joke,'' which portrayed The Joker as Batman's doppelganger. ''I wanted to take the comic book material and make it real,'' says the director, a whispery-voiced, Tiny Tim look-alike, during a break in the morning's shooting. ''That's the great thing about these characters they're not superheroes like Superman. They're real people. And this new generation of comic books really explores the psychology and complexities of the characters. It's not just how square the guy's jaw is.''

It is a somewhat unusual approach by the director whose previous work (''Pee-Wee's Big Adventure'' and '𧯮tlejuice'') lent him a Hollywood reputation - not as an actor's director (''I never had to speak as an animator, just show my drawings'') - but as a master creator of artificial visual realities. Mr. Burton, who studied at the California Institute of Art prior to working at Disney, likes to manipulate the look of a film until it becomes a physical extension of the protagonist. ''I always love it when the sets are a character and not just the set,'' says Mr. Burton, who prefers directing from a video monitor.

''Tim has an obsession with the 1950's kitsch. He's brilliant at making the believable, or creating a super-realism,'' says the script writer Sam Hamm later, during a telephone interview from his home in San Francisco. ''That's where a lot of the humor of ➺tman' comes from, playing these inescapably outrageous situations as very deadpan.''

The film began as an urban reworking of ''Mad Max,'' according to Mr. Hamm, who shares screenwriting credit with Warren Skaaren ('➾verly Hills Cop II''). ''Somebody who's larger than life and a little frightening.'' Eventually that point of view gave way to a simple reworking of some of the original Batman myths with ''the premise being, here's a millionaire who can have anything he wants, and what he wants is to get dressed up and scare people,'' says Mr. Hamm, whose sole previous credit is ''Never Cry Wolf.'' ''There is a 'Rosebud' to his character, and it erupts as ➺tman.' That is the psychological thrust of the plot.''

That plot is a fusion of fantasy and reality, humor and derring-do, but whose fulcrum is always the symbiotic relationship between The Joker and Batman - a polarity mirrored in the film's design. Indeed, early footage, including the 90-second trailer currently being shown in selected theaters, shows a deeply shadowed, menacing Gotham City, lit very much like ''The Godfather.'' That is until Nicholson's white-faced Joker leaps out of the frame, a riot of purple, aqua, orange and that trademark green hair.

''We're going with tonal separation, lighting it as if it were black and white but shooting in color,'' says the cinematographer, Roger Pratt, whose previous work includes the films 'ɻrazil'' and ''Mona Lisa.'' 'ɺnd we're using a Kodak film stock that enables us to shoot in very low light while retaining bright effects. But the key is using sets of a single tone against which the Joker just pops out.''

Indeed, a stroll through the five-block Gotham City, a massive but surprisingly unremarkable cityscape of shops and cafes and 'ɽon't Even Think of Parking Here'' signs, doesn't reveal this broad-stroke character until one reaches Gotham Square, a depressing urban canyon evocative of Fritz Lang's ''Metropolis.''

''The idea for Gotham City was to take the worst aspects of New York City, go back 200 years and imagine if there was no planning commission,'' explains the production designer, Anton Furst, with a laugh. Mr. Furst, who was the creator of that flat, menacing Vietnam of Stanley Kubrick's 'ɿull Metal Jacket,'' says much of his inspiration for '➺tman'' came from Orson Welles's film 'ɼhimes at Midnight.'' ''There's fascism and German Expressionsim and a sort of general industrial mix to these buildings,'' he adds. ''The result is timelessness that runs from the 40's to the future. And the humor comes from taking the brutalism to the limit.''

Even the Batmobile, sequestered on this day in the lacquered confines of the Batcave, a dark subterranean lair that is hardly the cheery high-tech laboratory of the television series, is wittily derivative. Twenty feet long with an eight-and-a-half-foot wheelbase and fins to put a ❗ Chevy to shame, it is a Corvette on steroids.

As for Mr. Keaton's bat costume, Bob Ringwood's sculpted latex design required 20 bodies, 25 different cape ''looks'' and 6 different heads. Mr. Keaton, who describes the outfit as incredibly uncomfortable to wear (the cape is literally bolted to the actor's rubber bodysuit), sweats through two Batsuits a day. ''I'm knocked out by the sets and the stunts in this film,'' he says later, dressed in full Batman regalia right down to the dried blood on his lip. The actor has taken a moment - in a burst of Bruce Wayne politesse - to leap from the set in order to brief a visitor on some directorial nuances on the scene. ''Michael!'' comes the call from Mr. Burton somewhere in the haze. ''Oh, pardon me,'' says Mr. Keaton. And with a flourish of black rubber, Batman slips back into the shadows.


Review/Film And So Handy Around The Garden

AT the far end of a suburban enclave, where the houses huddle together like a candy-colored wagon train, there stands a monument to lonely genius. Atop a forbidding gray mountain, in yet another of the strange and ingenious outposts that the heroes of Tim Burton's films ("Batman," "Beetlejuice," "Pee-wee's Big Adventure") call home, Edward Scissorhands lives in isolation. He uses his extraordinary gifts to create magical artworks that, he imagines, no one will ever see.

Edward has apparently hidden here for a long time, with nary a trip to the grocery store. But one day, as seems perfectly reasonable in the ripe, fanciful pop universe in which "Edward Scissorhands" unfolds, a thoughtful Avon lady (Dianne Wiest) pays a visit. Seeing Edward, she immediately grasps that he has a problem and sweetly imagines that it can be solved with kindness, not to mention the makeup base of exactly the right hue. So the Avon lady brings the outcast back to her home, where he amazes the neighbors with his rare feats of snippery. He's a wizard when it comes to poodles.

In a sense, Mr. Burton is too. His "Edward Scissorhands" is as crazily single-minded as a majestic feat of dog barbering, with much the same boldness, camp ebullience and fundamentally narrow wit. Like a great chef concocting an exquisite peanut butter-and-jelly sandwich, Mr. Burton invests awe-inspiring ingenuity into the process of reinventing something very small. In the case of "Edward Scissorhands," which opens today at the Ziegfeld, that something is a tale of misunderstood gentleness and stifled creativity, of civilization's power to corrupt innocence, of a heedless beauty and a kindhearted beast. The film, if scratched with something much less sharp than Edward's fingers, reveals proudly adolescent lessons for us all.

On, then, to the better side of "Edward Scissorhands": the tremendous cleverness with which Mr. Burton brings these ideas to life. As embodied by Johnny Depp, Edward himself is a stunning creation, with a blackish cupid's-bow mouth and plaintive expression to offset his fright hairdo, abundant scars and potentially lethal hands.

Those hands, which quiver uncontrollably when Edward experiences strong emotion, are the one aspect of the young man that his creator (played by Vincent Price, who was a hero of Mr. Burton's when the director was still a young Disney animator) neglected to complete. The inventor died just before he could equip Edward with human hands, thus leaving him with these scissor-bladed prototypes. They make a great sight gag, if not a great metaphor.

As in each of Mr. Burton's films, the production design is the central good idea, perhaps even the sole one. This time, with production design by Bo Welch ("Beetlejuice") and cinematography by Stefan Czapsky, it involves bright colors in unlikely combinations, for instance, a lavender-suited Avon lady driving a dandelion-yellow car) and fashionably ridiculous late-1950's artifacts placed prominently throughout the characters' bunkerlike homes. On the lawns of these houses, more and more of Edward's singular topiaries -- in the forms of a ballerina, a penguin, a set of bowling pins and so on -- begin to appear.

It is very much in keeping with the film's fearless, defiant illogic that these shrubbery sculptures should appear where no shrubs grew before. Similarly, the film makes no bones about depicting Winona Ryder as a white-haired granny in the not noticeably futuristic prologue, and as a high school girl, circa 1960, when most of the action takes place. Ms. Ryder, in the former capacity, promises to explain to a grandchild what the story of Edward Scissorhands has to do with snowfall. It's also in keeping with the film's reasoning that the explanation for this, when finally revealed, isn't nearly as interesting as promised.

Ms. Ryder plays Kim Boggs, the daughter of the Avon lady, Peg, and a dryly deadpan patriarch (played by Alan Arkin). As lovely as she is diffident, she makes an enchanting Beauty to Mr. Depp's poignant, bashful Beast. When Edward first arrives in suburbia, he is so flustered that he scares Kim away. (He also inadvertently punches holes in her waterbed.) But he soon becomes part of the household and part of the community, despite insensitive questions -- like "Do you know about bowling?" -- from the locals.

Soon Edward is so much at home that he is virtually a household convenience, helping Peg snip threads when she sews. He also becomes extremely popular with the women of the neighborhood, some of them fascinated by his knack for inventing odd haircuts, and one (played with funny flamboyance by Kathy Baker) especially interested in discovering his other talents. The women in the film, with the exceptions of Peg and Kim, are ninnies, but the men are no more flatteringly presented. Kim's boyfriend (Anthony Michael Hall) is a lout, a bully and the cause of Edward's eventual undoing.

Among the film's more haunting visual touches, all of which linger much longer than the possible reasons for their inclusion, are the peculiar shrinelike assemblage of clippings in Edward's fireplace the bladelike beams that open a hole in his roof to the heavens and the inventor's cherished machinery, so pleasantly antiquated that the machines seem to have animal faces. The traces of warmth that spring up unexpectedly, even in the sequence that finds Edward and Kim amid snow and ice, are what save "Edward Scissorhands" from its own potential archness and give it the sweetness of a bona-fide fairy tale. "Edward Scissorhands" is rated PG-13 (Parents strongly cautioned). It includes sexual suggestiveness and occasional rude language. Edward Scissorhands Directed by Tim Burton screenplay by Caroline Thompson, story by Mr. Burton and Ms. Thompson director of photography, Stefan Czapsky edited by Richard Halsey music by Danny Elfman production designer, Bo Welch produced by Denise Di Novi and Mr. Burton released by 20th Century Fox. At the Ziegfeld, Avenue of the Americas and 54th Street in Manhattan. Running time: 100 minutes. This film is rated PG-13. Edward Scissorhands . . . Johnny Depp Kim . . . Winona Ryder Peg . . . Dianne Wiest Jim . . . Anthony Michael Hall Joyce . . . Kathy Baker The Inventor . . . Vincent Price Bill . . . Alan Arkin Helen . . . Conchata Ferrell


Contenu

Roman

In the book, Arthur Slugworth is one of Willy Wonka's rival chocolatiers. Slugworth, along with Wonka's other rivals Mr. Fickelgruber and Mr. Prodnose, sent in spies to steal the secret recipes to Wonka's treats for them.

Having obtained these, he began making candy balloons that a consumer blows up to incredible sizes, and then causes to burst before eating them a plagiarized invention.

The work of Slugworth (along with the other rivals) came close to ruining Wonka's factory. Wonka was forced to close his factory and fire all of his workers. A few years later, Wonka's factory began working again (operated exclusively by Oompa-Loompas) and his work continued to dominate the candy industry, with no rival able to plagiarize his work because using the Oompa Loompa as his workers enables Wonka to operate his factory without regular employees and keeping it off-limits to the public, so none of the spies can infiltrate.

Slugworth is never heard from again, but it is stated that Slugworth, Prodnose, or Fickelgruber would each give their front teeth to enter Wonka's inventing room (a laboratory) for 5 minutes. It's presumed that Slugworth, alongside Prodnose and Fickelgruber, may have continued their businesses, but as Willy Wonka stopped hiring human employees, it's likely they no longer were able to produce special treats like those of Wonka.

1971 film

In the 1971 film Willy Wonka and the Chocolate Factory, Slugworth's company is in business. Inside Bill's Candy Shop, Wonka's products and signs are the most visible but Slugworth's Sizzlers are also prominently displayed, and one is even sold to a child called June Marie.

Things that are also seen are signs for Fickelgruber's candy. Grandpa Joe describes Slugworth as the worst of Wonka's rivals, telling Charlie that he was one of those who sent his spies in dressed as Wonka workers to steal Wonka's Recipes.

A man calling himself Slugworth is a prominent character later in the film-where he was portrayed by the late Günter Meisner. As each Golden Ticket is found, he approaches the finder and whispers something into his or her ear. After Charlie finds the last ticket, the same man then approaches Charlie as well, and delivers what is presumably the same speech he has given the other children.

He introduces himself as Arthur Slugworth, president of Slugworth Chocolates Incorporated, and bribes the child to bring one piece of the newly invented Everlasting Gobstopper to him so that he can discover and plagiarize the formula. Two of the children respond to Slugworth's bribe. Veruca Salt crosses her fingers behind her back when Willy Wonka asks the children to promise not to show the Everlasting Gobstopper to anyone else.

Mike Teevee asks his mother what secrets they can sell to Slugworth his mother is also heard telling her son to keep his eyes peeled and his mouth shut. Grandpa Joe also responds near the end of the movie. After Willy Wonka snaps at him and Charlie Bucket for violating the rules by stealing Fizzy Lifting Drinks and bouncing up the ceiling which needs to be washed as a reason of why Charlie didn't get the prize, Joe threatens to give Slugworth the Gobstopper. However, Charlie can't bring himself to betray Wonka and thus returns the Gobstopper to Wonka.

Touched by this display of selflessness, Wonka forgives the theft of the Fizzy Lifting Drinks and reveals that the man isn't actually Slugworth, but a non-Oompa Loompa Wonka worker named Mr. Wilkinson, and that his "offer" was a morality test, which only Charlie passesd.

The movie doesn't explain how the false Wilkinson was able to approach each winner so soon after they found their tickets. However, it's implied that Wonka somehow managed to keep track of each ticket's destination and then he told Wilkinson where they are most likely to be found. This seems likely, as in the 2005 film, Wonka personally places the tickets on the candy bars and they are then shipped to specific locations.

2005 film

Slugworth only makes a split-second appearance in Tim Burton's Charlie and the Chocolate Factory where he was portrayed by Philip Philmar. He receives a secret recipe from fellow envious candymaker Prodnose and both of them were not heard of again.

Tom and Jerry: Willy Wonka and the Chocolate Factory

In the film, he invades Wonka's chocolate factory to steal a special candy known as the Everlasting Gobstopper. Despite his seemingly antagonistic nature, his reveal as being an employee of Wonka like the original 1971 film is revealed. He was voiced by Mick Wingert.


11 Great Titles Expiring From Netflix in April

Every month, as various licenses expire, streaming services lose movies and TV series from their catalogs. Here are 11 great movies and TV shows leaving Netflix in April.

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There’s no greater testament to the skill and craft of this 1995 smash from Ron Howard than the fact that he manages to build (and sustain, for two-plus hours) tension and suspense around an event with a widely known outcome. That event is the Apollo 13 lunar mission in 1970, intended to be the third manned landing on the moon but aborted after a mechanical failure that put the lives of its three astronauts in jeopardy. Tom Hanks, Kevin Bacon and Bill Paxton project credible professionalism in those roles, finding the proper, fleeting moments to let their understandable fear and frustration blast through an Oscar-nominated Ed Harris is brilliant as the flight director on the ground, marshaling the minds tasked with bringing their boys home.

‘Batman’ / ‘Batman Returns’
Leaving Netflix: le premier avril

Once upon a time, a big-budget, big-screen adaptation of a popular comic book was actually a big deal. But the attraction to Tim Burton’s 1989 “Batman” wasn’t just its subject, but its style: The Gothically-inclined Burton (“Batman” was released between “Beetlejuice” and “Edward Scissorhands”) followed the lead of the graphic novels by Frank Miller, eschewing the fizzy, cartoon-pop sensibility of the ’60s television series (and its film spinoff) and crafting a decidedly darker take on the Dark Knight, casting Michael Keaton against type in the title role opposite a riveting (and scenery-chewing) Jack Nicholson as the Joker. It was so successful, Burton was given more even freedom on its 1992 follow-up, which takes Gotham into grimmer territory thanks to Danny DeVito’s freakish take on the Penguin and Michelle Pfeiffer’s sizzling turn as Catwoman.

‘Caddyshack’
Leaving Netflix: le premier avril
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One of the most quotable comedies of the modern era (“Cinderella story,” “Be the ball,” “So I got that goin’ for me, which is nice”), this 1980 favorite from director Harold Ramis (“Groundhog Day”) often feels like channel surfing between several movies at once: a W.C. Fields-style personality comedy starring Rodney Dangerfield a wiseguy, post-‘Saturday Night Live’ vehicle for Chevy Chase a slapstick farce starring Bill Murray and an earnest coming-of-age comedy-drama featuring Michael O’Keefe. But the inconsistency and incongruity somehow mesh, due in part to the picture’s spirit of cheerful, slobs-vs.-snobs anarchy, resulting in something akin to a coked-up Marx Brothers movie.

‘Cool Runnings’
Leaving Netflix: le premier avril
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One of the highlights of the 1988 Winter Olympics (from a storytelling perspective, if not a sporting one) was the debut of the Jamaican national bobsled team, which quickly became a fan favorite for their clear discomfort with an event not exactly common to their tropical home. But it soon became a feel-good underdog story of teamwork in the face of adversity — in other words, ideal fodder for a big-screen dramatization by Disney. And what could have been a one-joke physical comedy play instead became a warmhearted ’90s classic, thanks to the energetic direction by Jon Turteltaub (“National Treasure”) and the charismatic turns by Doug E. Doug, Leon, Malik Yoba, and Rawle D. Lewis as the team members, and (in one of his final performances) the great John Candy as their coach.

‘John Mulaney: New in Town’
Leaving Netflix: le premier avril
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This 2012 special from John Mulaney, the former “Saturday Night Live” writer and stand-up comic extraordinaire, which originally aired on Comedy Central, was only his second such showcase, but he already showed an old-timer’s mastery of the form. His deceptively simple persona, of a meek but good-hearted soul doing his very best to navigate a complicated world, proves durable and reliable as he explores dating, doctor’s visits and basic social interactions. The show’s funniest (if somewhat specialized) bit, however, may be his lengthy rumination on the pleasures of “Law & Order: Special Victims Unit” and its resident skeptic, Ice-T.

‘Never Let Me Go’
Leaving Netflix: le premier avril
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Kazuo Ishiguro’s 2005 dystopian romance novel gets the big-screen treatment in this 2010 drama from director Mark Romanek (“One Hour Photo”). Keira Knightley, Carey Mulligan and Andrew Garfield star as three students and occasional romantic partners who discover, in their teens, that all of them are clones — born and raised for the eventual harvesting of their organs. Screenwriter Alex Garland displays the thoughtful, chamber-music approach to science fiction of his subsequent “Ex Machina” and “Annihilation” (both of which he directed). Romanek, meanwhile, pulls off the neat trick of creating a cold, sterile world that is nonetheless infected by warmth and humanity — attributable in no small part to the skillful work of his crackerjack cast.

‘The Shawshank Redemption’
Leaving Netflix: le premier avril
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Removing this 1994 prison drama from Netflix probably won’t dent its ubiquity — it’s a regular topper of IMDb’s Top 250 list and it seems to pop up on TNT or TBS on a near-weekly basis. But it still smarts not to have this cinematic comfort food a mouse-click away, as it features the quintessential Morgan Freeman performance (wise, calm, and narrating for clarity) and some of Tim Robbins’ most complicated work (as a man who says little and reveals even less). Frank Darabont’s patient filmmaking, in which a series of seemingly casual vignettes crescendo into an emotionally overwhelming climax, makes this a particularly re-watchable film, in which little throwaways and asides take on extra meaning upon second (and third, and tenth) viewings.

Between his first and second cracks at Batman, director Christopher Nolan slid in this twisty, stylish exercise in sleight-of-hand moviemaking, as if to assure the fans of his breakthrough movie “Memento” that he was still up to his old tricks. This time around, the term “tricks” is literal: In “The Prestige,” Nolan tells the story of two stage magicians in 1890s London, whose friendly rivalry first becomes fraught, then deadly. Hugh Jackman and Christian Bale scheme and connive appropriately in the leading roles a standout supporting cast includes Michael Caine, Scarlett Johansson, Rebecca Hall and David Bowie.

The enigmatic and eccentric street artist Banksy directs this Oscar-nominated 2010 documentary, in which he profiles the rise of Thierry Guetta, known by the street-art name “Mister Brainwash.” Frisky and funny, it casts a cynical insider’s eye on the art world, as well as on Banksy’s place inside it — particularly in retrospect because of rumors that Guetta was, in fact, a creation of Banksy’s and that the entire story is a made-up prank. The director (who never reveals his face in the film) has denied the rumors, but they lend an extra dimension to this film, in which everything (and perhaps everyone) could be a bluff.

‘Begin Again’
Leaving Netflix: 27 avril
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The Irish writer and director John Carney revisited his microbudget, Oscar-winning indie sensation “Once” with a well-financed, star-cast exploration of the same themes: the magnificence of pop music, the semi-romantic charge of collaboration and the power of a song to say what can’t be put into words alone. Keira Knightley is charming (and believable) as a songwriter who finds an unexpected champion in a burned-out record executive (Mark Ruffalo). The musical numbers are stirring, and the dramatic beats land, but its best scene is its simplest: its two protagonists, wandering through New York City with their headphones, playing each other their favorite songs. Sweet but not saccharine, it is full of tiny moments of truth.


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